Entonces el comediante sintió en sus carnes el real calado de hacer reir al “Monstruo”. En su caso además se sumaba el antecedente del estrepitoso fracaso de su compatriota George Harris en el 2025. No podía fallar. “Esa primera caminada desde atrás del escenario hasta el el centro de la Quinta es bien larga e imponente. ¡Ves a todo el público! Se ve súper encima porque está todo el público iluminado. Le puedes ver la cara a la gente que está en la galería, entones es bien retador", recuerda.

Para su fortuna, Düch logró enganchar rápido con el público de la Quinta Vergara y ser uno de los triunfadores del Festival esta temporada. Lo consiguió con una rutina armada con chistes rápidos aludiendo a su condición de venezolano en Chile e incluso algún guiño a George Harris.

Estudioso, Düch tenía claro donde se jugaba el éxito o el fracaso de esa noche. “Los primeros 5 minutos son claves -explica-. En los primeros 5 minutos, tú tienes que tener una batería de chistes que rompan el hielo y hablen un poco de quién eres y por qué estás ahí. Cuando esos 5 minutos funcionan, te da cierta tranquilidad. Además, con el peso y la responsabilidad de ser el comediante venezolano que venía a subsanar un poco una herida creada...o sea si yo no hacía reír ahí estaría en Venezuela ahorita ajaja (risas). Yo también quería pasarlo bien y eso fue lo que logré”.

Esa rutina en Viña tuvo un final muy particular, con la participación del “Guatón” Rodrigo Salinas. Una idea que salió desde la amistad entre ambos y se plasmó en una canción que tocaron esa noche, Las rueditas, que narra lo que pasó con las rueditas de la bicicleta de Freddy Turbina una vez que se las sacó, una suerte de spin off de 31 Minutos.

“Yo fui un niño que se crió viendo 31 Minutos en la televisión por cable en Venezuela. Tengo un hijo chileno al cual tuve la oportunidad de mostrarle 31 Minutos -dice Düch-. Poder hacer algo con uno de los creadores originales de la serie, que ambos somos comediantes y además tengo el honor de llamarlo un amigo...fue un full circle bien bonito”.

Incluso, Düch ha conocido a más músicos involucrados con 31 Minutos. “La semana pasada tuve la oportunidad de conocer a Pablo Ilabaca. Para mí es un honor, yo soy muy fan de la música y mi vida en Chile me ha hecho conectarme también con la música chilena y él es de los músicos top. El poder conversar con él, estrechar su mano, que me dijera que había visto en diferido la rutina de Viña, que le había gustado la parte de las rueditas, y que interpreté muy bien Mi equilibrio espiritual”.

-Poco antes de tu show en Viña ocurre la detención de Nicolás Maduro. ¿Cómo lo trabajaste para incluirlo en tu rutina?

Simplemente me puse a trabajar y dije: tengo que sacar un ángulo donde pueda hablar de cómo un venezolano sintió, vivió y lo que pensamos de la captura de Maduro, también entendiendo el contexto geopolítico y la lupa bajo la que lo ve Chile, pues no soy un cegado de no saber lo que significa... ¿me entiendes? Entonces hicimos un chistecito, una analogía sobre eso y creo que quedó bien plasmado.

-¿Y cómo viviste tú ese momento? Porque fue temprano en la mañana...

Claro, porque la captura es un 3 de enero a las 4 de la mañana, y los venezolanos nos enteramos el 3 de enero a las 6 de la mañana...yo me enteré como a las 8 de la mañana porque mi mamá me levantó, me abrió la puerta de la pieza...“¡Se llevaron a Maduro!”. Bueno, yo lo dije ese día, para los venezolanos fue un momento de esperanza, de entender que es una luz de que algo podía cambiar en una Venezuela que tenía ya 27 años de alguna manera bajo un régimen que destruyó el país de todas las maneras posibles. Me imagino que algo parecido sintió Chile cuando ganó el plebiscito para sacar a Pinochet del poder. Entonces, es de esas alegrías compartidas de que quizás vamos a estar mejor en un futuro.

-¿Cuánto ha cambiado tu vida y tu desarrollo laboral tras el paso por Viña?

Mira, poco en verdad, o sea, no me no te voy a decir como que ahora soy la mega estrella y agotado todo, no, no, no. Muy tranquilo. Fue un buen paso por Viña, pero no fue de esos que te cambia la vida drásticamente. Hay comediantes a los que drásticamente les ha cambiado su vida y su negocio, pero en mi caso se mantuvo bastante parecido. Este es mi quinto año haciendo comedia, entonces ha sido puro subir y cada vez hitos más grandes. Hoy yo creo que viene un momento más bien de estabilizar un poco, empezar a consolidar al público que he tenido durante todos estos años, empezar a ofrecer otras cosas, otras propuestas.

-¿Y la manera de trabajar las rutinas?

Yo era de estos comediantes que anotan alguna premisa que se les ocurre y en tarima la desarrollo, pero Viña me enseñó que hay que bajar eso a un papel, hay que escribir los chistes en papel para saber qué quitar y qué dejar para que funcionen mejor y economizar palabras. Así es que sí, el paso por Viña modificó un poco como trabajo el material de comedia.

Esas otras propuestas han cristalizado en una nueva rutina de stand up comedy en que Düch explora otros temas. “Me gusta mucho la temática de lo que está pasando de la inteligencia artificial, las teorías conspirativas sobre los ovnis, me gusta mucho ese tipo de temáticas. Siempre fui muy de ver contenido conspiranoico, hay mucho humor. También chistes que de repente estaban dentro de la rutina que estaba presentando antes de Viña, pero no llevé a Viña”.

Pero el mayor cambio, que ya se advirtió en Viña, es la inclusión de mayores segmentos musicales en las rutinas. “Ya me conocieron por el stand-up comedy, ahora quiero que me conozcan por el stand-up comedy y también por la música comedia. Viene un proceso de evolución hacia el artista que quiero ser de aquí a 20 años, porque esto es una carrera larguísima. El comediante envejece y el público envejece con el comediante”.

En sus nuevos shows, Düch apuesta por incluir musical material propio. Hace una hora de stand up al estilo clásico y luego un segmento musical de unas cinco canciones. “Voy creando canciones con premisas que me llaman la atención con cosas que me pasan, con cosas que pueden ser identificables, voy haciendo canciones y las voy cantando en vivo...si hay una buena reacción, está bien, sino, hay que ir buscando, voy cambiando, saco una, meto otra...”.

Y no solo son temas que canta en sus shows. Düch detalla que planea lanzar parte de ese material. “Voy a dar ese paso pronto, hacer videos interesantes con las canciones y subirlos a las redes sociales. Estoy trabajando con una banda que estamos haciendo canciones que no necesariamente tienen que ver con la comedia, mi idea es expandirme como artista. Sé que a veces Chile castiga al multifacético, pero eso no puede ser una limitante para crear; si yo quiero crear comedia, voy a crear comedia, si quiero crear música, voy a crear música, si me da por escribir un libro, loco, lo voy a escribir”.

En realidad, es una faceta que Düch tenía en barbecho. Cuenta que llevaba tiempo con canciones propias guardadas. “Probablemente nunca me creí tan bueno, pero viendo a Marcianeke...yo dije ¡yo puedo!¡Claro que puedo! ajajaja viendo al Tío Rene, yo dije claro que puedo (ríe)“.

Düch tiene un gusto musical muy marcado por el sonido del rock, el funk, el ska, el reggae, el bolero, la música latinoamericana. “Me encanta todo lo que tenga guitarra, bajo, batería, teclado, estoy muy abierto a todo tipo de música. El sábado fui al concierto de Papanegro, estuve en el Bloque Depresivo...me encanta la música real, la música que inspira, la música que está hecha con manos humanas. El Macha es de mis artistas favoritos que Chile me ha entregado porque he conectado con él en su cosmovisión, en su arte, en la rebeldía de La Floripondio, en la alegría y el pachangueo de Chico Trujillo, la depresión y tristeza del Bloque Depresivo. Me encanta lo que rodea al arte y lo real”.

En lo sucesivo Esteban Düch continúa con sus shows de stand up recorriendo Chile y se alista para el Comedy Fest en el Teatro Caupolicán, junto a nombres de la talla de Felipe Parra, Bodoque y Gon trujillo. Entradas en el sitio web https://linktr.ee/duchproducciones.

El show repasará una década de cumbia chilena: desde los clásicos que los consolidaron como referentes del género como “Que te vaya bien”, “Tatto”, “Me emborracharé”, “Corazón Dividido”, “Un hombre no llora”, “Contigo”, “Hablando con la Luna”, entre muchos otros temas que los mantienen vigentes en las pistas de baile y escenarios de todo el país.

La producción incluirá montaje escénico de gran formato, luces, visuales, pantallas y una banda completa pensada para entregar una experiencia inmersiva y festiva a la altura de una década de éxitos como la que han generado hasta ahora.

Alex, Nelson, Christopher, Rurick, Hernán, Erick y Claudio, anteriormente formaron parte importante de reconocidas bandas del mismo género y eso los hace altamente reconocidos en el medio. Cada uno de ellos cuenta con más de 10 años de trayectoria y experiencia musical, recorriendo los más importantes escenarios. En 2023 realizaron una exitosa gira nacional que recorrió ciudades de todo Chile tales como: Santiago, Curicó, Olmué, Antofagasta, Temuco, Buin, Valdivia, Puerto Montt, Pucón, Linares, Punta Arenas, Concepción, Yungay, Paine, Osorno, Loncoche, Lautaro, La Serena y Pichilemu, entre otras.

Ese mismo año participación en el Festival del Huaso de Olmué y fueron escogidos por votación como los “artistas más populares” del certamen.

Luego realizaron una exitosa presentación en el cierre de los premios “Pulsar 2023”, organizado por la SCD y transmitido a todo el país por TVN. También participación en la gira nacional de la Teletón. En dicha instancia, además la agrupación estuvo en la noche de cierre de campaña, realizada en el escenario de la Quinta Vergara haciendo bailar a miles de personas.

Asimismo, en 2024 Participaron en más de 40 escenarios a nivel nacional en su gira verano con una brillante presentación en el festival de la Independencia de Talca, entre muchas otras presentaciones que han marcado su existencia en estos diez años.

“Diez años se dicen fácil, pero detrás hay recorrido, público y mucha historia. Queremos que esa noche en el Monticello sea un agradecimiento en grande a toda la gente que nos ha acompañado. Va a ser un show que estará de miedo y a la altura de lo que significa llegar hasta acá”, señala la banda.

Zúmbale Primo ha marcado a la música tropical chilena con un sello inconfundible y una energía en vivo que los ha llevado a recorrer Chile y parte de Latinoamérica. Este aniversario no solo celebra el pasado, sino que reafirma su vigencia y proyección a futuro.

Las entradas para ser parte de la fiesta de Zúmbale Primo el próximo sábado 27 de junio desde las 21 horas están disponibles a través del sistema Ticketmaster.

“suave” muestra a las dos artistas innovadoras unirse para crear un éxito de club de alt-pop bilingüe que fusiona una variedad de influencias a través de una neblina de sintetizadores distorsionados, voces íntimas y texturas indie-hyperpop. Además, le acompaña el estreno de un video musical oficial dirigido por el cineasta/fotógrafo Joaquin Castillo, radicado en Nueva York, disponible en Youtube.

AKRIILA, quien presentó por primera vez “suave” el fin de semana pasado con una concurrida actuación pop-up B2B junto a Jane Remover en Milky’s en East Los Angeles, CA, pasará varios meses de tour, incluyendo una gira debut en EE. UU. que agotó entradas inmediatamente después de su anuncio, lo que provocó varias fechas adicionales y el cambio a recintos más grandes.

La gira comienza con una presentación de tres noches en Elsewhere en Brooklyn, NY, del 7 al 9 de julio, seguida de fechas muy esperadas en Chicago, Los Ángeles y San Francisco. Recientemente, también anunció su gira “lucy”, en la que se presentará en recintos de toda Latinoamérica.

Mira el videoclip de Suave a continuación

Con su partida se va una figura tan enigmática como masiva, capaz de establecer una narrativa y un universo propio a través de metáforas existencialistas y una filosofía barrial que identificó a miles de argentinos. Desde los 80, los shows junto a su banda eran verdaderas liturgias, misas gigantescas que movilizaban un credo irrepetible; tan así, que se hizo insostenible en un minuto la organizaciones de sus recitales en ciudades como Buenos Aires.

Solari representa por lo demás un fenómeno profundamente argentino, difícil de replicar y comprender en otra latitud del planeta. Era una suerte de elegido que cada cierto tiempo le hablaba a las masas a través de su discurso magnético.

En Chile hacia principios de los 90 intentó hacerse un eco a través de la canción Mi Perro dinamita, pero aparte de sonar en emisoras como Concierto -donde trabajaba su coterráneo Lalo Mir-, no tuvo mayor resonancia en el país.

El célebre músico se encontraba junto a su familia en su casa de Parque Leloir, Ituzaingó, al momento de su muerte, según reportan medios como Clarín e Infobae.

Según estos portales, se realizará la autopsia por protocolo y para que quede establecido el causal de muerte. Su última aparición pública fue en enero pasado, través de un mensaje cuando recibió el Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires. Desde hace unos años sufría de Parkinson.

En 1975, en la ciudad de La Plata, Indio Solari y Skay Beilinson fundaron Los Redondos. Desde sus primeros pasos, la banda estableció una estética propia, tanto en lo musical como en su modo de relacionarse con sus fanáticos: no eran un conjunto convencional y le hacían frente a expresiones más comerciales de esos mismos años, como Soda Stereo. Tenian un enfrentamiento declarado con ellos.

La independencia artística, la imaginería poética, el virtuosismo instrumental y la distancia respecto de los grandes medios corporativos marcaron a fuego el recorrido de la banda, que editó nueve álbumes de estudio hasta su disolución en 2001. Discos como Oktubre, Un baión para el ojo idiota y ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado y Luzbelito forman parte del repertorio esencial del rock argentino.

Probablemente uno de los shows más memorables de la carrera de Los Tres. En diciembre de 1995 el grupo se presentó en el Court Central del Estadio Nacional en un momento que su carrera iba al alza. El grupo acababa de grabar su MTV Unplugged en Miami, la misma temporada en que lanzaban La Espada & la Pared, uno de sus discos claves.

Además de los shows preliminares de Santos Dumont y Aterciopelados, esa noche es recordada por la presentación de Pedro Carcuro. Una jugada a tono con el gusto por la cultura popular del grupo. “Algo raro está pasando”, dijo el célebre conductor ante la sorpresa del público, para luego dar paso a la entrada de la banda.

Con el rodaje que tenían por entonces, Henríquez, Lindl, Parra y Molina desplegaron un show contundente. Arrancaron con Sudapara e interpretaron temas menos evidentes como En Jamaica y El Haz Sensor. Por supuesto, sonó el habitual segmento de cuecas, con Mándame quitar la vida, El arrepentido y La vida que yo he pasado. Además del repertorio que se consolidaba en la música chilena, el grupo lograba una notable conexión con el público. Probablemente, una de las claves de su éxito.

La primera vez en Viña

Esa temporada de ensueño de Los Tres se coronó con su primera presentación en el Festival de Viña, el sábado 17 de febrero de 1996. El conjunto abrió la cuarta jornada del evento en la que también se presentaron los cantantes Andrés de León y Diego Torres, además del humorista Jorge Franco con su personaje “El náufrago”.

“Fue una muy buena negociación porque pedimos estar el sábado, horario estelar, repertorio sin discusión y pago. Queríamos el estándar de los artistas internacionales”, contó Carmen Romero, exmánager del grupo a este medio.

Vestidos de escolares, como una humorada que surgió en una charla, el grupo interpretó un repertorio concentrado en los temas más conocidos de sus tres discos. También incluyeron el segmento de cuecas y, en una postal de la transición, al momento de tocar La Primera Vez, Álvaro Henríquez señaló: “Esta canción está dedicada a todos los que están en Punta Peuco y para los que deberían estar”.

Una Danza Rusa en el California

El fenómeno del MTV Unplugged marcó la temporada 96 de Los Tres. Al lanzamiento del álbum le siguió una gira desenchufada en que el grupo interpretó el material del disco, pero en realidad ofrecía una experiencia musical.

Eso fue lo que mostraron entre el 4,5 y 6 de julio en el Teatro California (con Álvaro Henríquez luciendo mostachos a lo Lennon en el Sgt.Pepper’s). En un gesto teatral no muy común en ellos, el grupo entró al escenario tocando la Danza Rusa, la afamada y cinematográfica pieza instrumental de Tom Waits, para luego seguir con su material en formato desenchufado.

Con los refuerzos de Camilo Salinas, Antonio Restucci, Cuti Aste, Ángel Cardenas y Claudio Morales, el grupo desplegó una actuación que dio cuenta de su ambición musical. La versión de Pájaros de Fuego supera a la del Unplugged y el sorpresivo cierre con Copacabana (original de Barry Manilow), que incluyó las voces de Javiera Parra y Esperanza Restucci, coronó una presentación memorable.

Una noche Fome

La cortina instrumental de Music To Watch Girls By, de Andy Williams, recibió a los entusiastas que llegaron hasta el teatro Monumental la fría noche del 5 de julio de 1997. Casi un año después de la memorable noche acústica del California, Los Tres mutaban a la intensidad eléctrica de Fome.

Por ello, el material de ese cuarto disco de estudio fue el que concentró la atención de la noche. Una presentación en que el grupo presentó un sonido contundente, prescindiendo de músicos de apoyo e incluso sin el habitual segmento de cuecas. De alguna forma, volviendo a su raíz de cuarteto de rock directo como lo plantearon en su reencuentro en La Revuelta.

En la previa se mostró en el lugar el partido Chile-Colombia, disputado por las eliminatorias rumbo a la Copa del Mundo Francia 98, que acabó en goleada para la selección nacional. La euforia y la algarabía juvenil por ver a Los Tres en un momento estelar de alguna manera resumía el espíritu triunfalista de la época; éramos los “jaguares” de Latinoamérica.

La Revuelta en la plaza

El reencuentro de la alineación fundamental del grupo, Henríquez, Lindl, Parra y Molina (que no tocaba junta desde el año 2000) tuvo una primera presentación en la Plaza de la Independencia, de su natal Concepción. Una decisión a tono con el ánimo de hacer guiños a su historia.

Por ello, el lugar se repletó. Mucha gente joven, que no los vio en su época noventera llegó incluso desde otro puntos del país para verlos. La ovación atronó apenas sonó la introducción de Somos tontos no pesados y pasó el solo de Pancho Molina.

Aunque la banda siempre tuvo un directo muy quirúrgico, en esa aproximación inicial a la Revuelta, como le llamaron a la reunión, sonaron con una especial garra. En un show de 11 temas incluyeron una sola cueca (La vida que yo he pasado) tocada en formato eléctrico. El final fue con la energía arriba, con el doblete de Tu cariño se me va y No sabes que desperdicio tengo en el alma. Como para dejar en claro que hay cosas que no se olvidan.

"No hay nada más/Que pueda explicar/Las cosas simples se hacen mentir/No hay nada más", coreó el respetable, acompañando a Pierattini para cantar Las Cosas Simples. Un tema que escribió a los 20 años y que esta noche sonó atingente a la celebración de la vida y el milagro de la música.

Con ese gesto, tan teatral y certero, arrancó la presentación de Pierattini en el recinto de calle Manuel Montt. El regreso del guerrero, se llama este concierto, atendiendo a que se trata de la primera gran presentación en público del reputado músico chileno tras reponerse del duro accidente automovilístico que lo mantuvo hospitalizado.

El abrazo del reencuentro cruzó la presentación, levantada como un repaso de la trayectoria de Pierattini. Acompañado en escena por la banda con la que registró su último disco homónimo; Diego Peralta en bajo eléctrico, Felipe “Metraca” Salas en batería, Pablo Jara en guitarra eléctrica y Dominga Corral en acordeón. Y acompañado, sobre todo, por el público que llenó la sala.

Con esa banda, muy aceitada, Pierattini repasa algunos momentos claves de su discografía. El músico luce muy vital, cantando sin problemas y manteniendo el habitual tono lleno que le extrae a la Stratocaster. Prácticamente no muestra secuelas de su brutal accidente lo que denota la disciplina con la que abordó la recuperación.

En las manos, Pierattini luce los vendajes de luchador con los que se fotografió en su último disco y en las fotos promocionales del show. No tardará mucho en despojárselas. Mientras, en escena, la banda despacha temas como la siempre emotiva Que simple vibra nuestro amor, o cortes de su último disco, como La Fiesta, que crecen en vivo.

“Muy buenas noches, aquí estoy -saluda en el primer momento de respiro-. Estoy vivo todavía cabros, gracias por esta noche”.

Y pasa al primer invitado del show, Tata Barahona. Juntos, cantan armonizando Carita de gato, aquel notable tema que Jorge González facturó en Mi destino, un disco de reinvención que de alguna forma vibra con el momento de Pierattini. Aunque en su versión de estudio el invitado es Diego Lorenzini, en la voz de Barahona la canción suena igual de vulnerable.

Pasa una notable interpretación de Lo que se ve no se pregunta, otro de los cortes del último disco, que toma una altura diferente en su paso al directo, sonando más compacta y rockera, aunque destaca el acordeón. Pierattini siente en la médula cada nota de su desatado solo de guitarra eléctrica. Tanto que queda encendido e invita a personas del público a probar suerte intentando domar a su Stratocaster, que parece lanzar llamaradas de distorsión. Tres sujetos suben a escena, casi como viviendo la fantasía de Marty McFly tocando Jonny B. Goode.

Pasa otro invitado, Carlos Cabezas, para hacer El adiós, un tema de su proyecto en conjunto, Cordillera. Ambas voces, cargadas de graves, empalman bien y suenan rotundas.

Poco después, el escenario se despeja, y se instalan dos sillas. Ahí se instalan Pierattini y Pablo Ilabaca, un cómplice eterno de andanzas musicales, desde que se conocieran como alumnos del maestro Luis Advis. Con sendas guitarras acústicas hacen Tontos bichos de hoy, de los días de Las calaveras errantes. Le sigue un momento muy particular, con la interpretación de En mi vida, una reelaboración de Pierattini para In my life de los Beatles. Ilabaca se luce con el teclado (incluso con haciendo el solo, muy similar al original que grabó George Martin). Un guiño a su corazón beatlero y a una amistad añejada en canciones.

El show transita hacia el segmento más desatado, con la revisión de algunos cortes del catálogo de Weichafe. Para ello, Pierattini convoca a una banda distinta, con Ed Quiroz en la batería y “Chino” Vargas en el bajo. Además del refuerzo de Pablo Jara, hacen cortes como Respiro la luz del sol (con su introducción que evoca a Highway Star), Pan de la tarde, La fuerza viene de la tierra y por cierto, ese himno que es Ripio y soledad. “Weichaaaafe, weichafeee”, grita el cántico de tablón del público, como rememorando los viejos tiempos.

De regreso con la banda inicial, Pierattini sorprende con una nueva composición, No estoy muerto espero. Un tema en que repasa su último tiempo, como la respuesta del cantautor inquieto frente a lo que vivió. “Te miré cuando desperté/tú estabas sonriéndome/lágrimas de amor curaron mis heridas, todas mis heridas”, canta. Se trata de una canción luminosa, de beat midtempo y sonido latinoamericano. Una creación que suena como una continuidad de lo que planteó el músico en su último disco y probablemente, traza su camino más inmediato.

Hacia el final, cuando canta sentado en una de las escalinatas del teatro, Amor por mi condena, acaba cantándosela a un antiguo profesor de Historia de sus tiempos colegiales que estaba presente en el público. La vida te da sorpresas, decía alguna antigua canción salsera, y para Pierattini no parecen acabar. Coronó una noche que se vivió como un reencuentro con sabor a fiesta. Como ese amigo que regresa de un viaje, en que miró a la muerte a la cara y la eludió a punta de canciones.

“Para mí, un excrítico que trabajó en Cannes durante muchos años, en la Sala Lumière, fue muy importante, muy fuerte”, indica en un hotel de la Riviera Maya (México), donde asistió como nominado a la 13° edición de los Premios Platino.

El director de Aquarius (2016) aún no lo sabe, pero al día siguiente le faltarán manos para recoger galardones. En la ceremonia principal, celebrada en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, El agente secreto alzó las distinciones a Mejor película iberoamericana de ficción, Mejor dirección, Mejor guión y Mejor interpretación masculina. Este último lo recogió en nombre de su estrella, el actor Wagner Moura, quien envió un discurso de agradecimiento por escrito donde le dedicó el trofeo “a ese director genio, gran amigo y gran artista, ese hombre guapo y sensual”.

“El agente secreto hoy tiene cerca de 100 premios en su carrera. Creo que históricamente en Brasil es la película con más premios. Los premios arrojan luz sobre las películas”, afirma el cineasta. Él mismo ha estado en situaciones que han agitado menos fanfarria –como con el ensayo fílmico Retratos fantasmas (2023)–, por lo que se toma las cosas con calma. “Si como artista entiendes que cada obra tiene una personalidad, estarás feliz. Creo que tengo una relación saludable con los premios. Estoy muy feliz de estar acá”.

Ambientada en Recife en 1977, durante la dictadura militar, la cinta sigue a Armando (Wagner Moura), un experto en tecnología que se refugia en el noreste de Brasil con la esperanza de pasar desapercibido y escabullirse de sus enemigos. Mientras realiza las gestiones para abandonar el país junto a su hijo, Fernando (Enzo Nunes), está empecinado en encontrar algún registro que le permita reconstruir la historia de su difunta madre, de quien apenas guarda recuerdos. Una tarea que emprende mientras trabaja en el registro civil de la ciudad bajo el alias de Marcelo y mientras lo persiguen dos asesinos a sueldo contratados por un magnate.

El agente secreto –actualmente disponible en la plataforma Mubi– es una obra que es 100% Mendonça Filho. Quizás el elemento más astuto reside en que el filme se narra a través de la perspectiva de una archivista universitaria de nuestra época que escucha conversaciones de 1977 grabadas en cintas de casete. En ese juego entre el pasado y el presente su cine adquiere una densidad a la altura de pocos directores contemporáneos.

El realizador se muestra especialmente orgulloso de otro galardón que el largometraje alcanzó en la edición 2026 de los Premios Platino: Mejor montaje, que recayó en sus colaboradores Eduardo Serrano y Matheus Farias, y fue entregado en una gala previa.

“Trabajo mucho en cada película, particularmente el montaje”, sostiene. “Mi mayor preocupación, siempre, es que la película debe estar en su mejor estado final. Creo que la última vez que la vi fue en Los Angeles en una sala muy increíble. Y pensé: guau, es muy buena”, agrega, puntualizando que le resulta “doloroso” ver una escena que no es de su agrado.

-Ud. escribió el rol de Armando con Wagner Moura en mente. ¿De qué modo cree que él logró elevar lo que estaba en el papel?

Escribí el guión pensando muy específicamente en Wagner. Tenía una sospecha: que no era solamente un gran actor, sino que una gran persona. Estaba completamente en lo cierto. Es increíble que trabajas con personas que no conoces muy bien, pero tienes una (intuición). Me gusta esta mujer o este hombre, este actor o actriz, este director de arte, pero no lo sabes. Es siempre una cuestión de trabajar, tener una experiencia y ver lo que pasa. Creo que tenemos mucha suerte con muchas personas increíbles en nuestras películas. Wagner es un gran colaborador, un gran amigo, un gran actor. Y estoy muy feliz con todo lo increíblemente positivo que la película ha generado.

Fidelidad a la sala

El último año le ha dado una perspectiva diferente a Kleber Mendonça Filho sobre el cine. ¿Qué es?, se pregunta. Según enumera, es el éxito de espectadores que registró en Brasil (más de 2 millones y medio de asistentes), es una charla con los espectadores en San Sebastián o en Virginia, es el trabajo junto a su distribuidor estadounidense (Neon), es competir en los Oscar (donde sumó cuatro nominaciones, incluyendo Mejor película y Mejor actor). Es todo eso y mucho más. Por eso, plantea, “ahora quiero mucho escribir un libro acerca de mi experiencia con la película”, que se sumaría a un libro ya publicado que contiene el guión del filme y que ha sido un fenómeno de ventas en su país.

El problema es que no sabe si tendrá el tiempo necesario para ejecutar esa idea. La prioridad la tienen sus siguientes proyectos cinematográficos y que estos, recalca, se vean primero en la pantalla grande antes que en la televisión.

“Para mí es muy importante que la primera vida de la película sea en las salas de cine. Muy importante. Para mí es una defensa constante que los primeros diez meses, nueves meses, siempre sean en las salas de cine. Creo que las salas de cine es donde se produce la construcción del carácter de una película. Después, streaming, home video, televisión, sí, no tengo problema. Pero para mí juega un papel muy importante en cómo la película debe ser disfrutada en el principio de su vida. Los festivales, después Brasil y los primeros países, siempre en las salas de cine. Creo que es una película muy auténtica, muy brasileña”, explica.

-¿Cómo cree que se construye una película en esta época de consumo tan acelerado de contenido audiovisual?

Tuvimos una reunión muy interesante recientemente con Netflix Brasil, y los números internos son muy buenos. Considerando el presente, la capacidad de FOMO (Fear of Missing Out), es una película que consigue mantener la atención de un público. Pero para mí los mejores libros y las mejores películas tienen una secuencia de ideas narrativas que son interesantes. Para mí es algo natural. Hay personas en Twitter que escriben: finalmente terminé El agente secreto después de dos semanas. Para mí eso no es un problema. Después de diez meses en las mejores salas del mundo, las mejores salas de Buenos Aires, París, Sidney, Nueva York, São Paulo, Brasilia, estoy muy bien con que hoy haya un chico en Santiago que diga: finalmente terminé El agente secreto después de dos semanas. Pero como cineasta una cosa muy importante es que jamás quiero saber técnicas para mantener la atención. Mis películas tienen mucha información. Si estás atento, bueno. Si no lo estás y no entiendes la aparición de la pierna (peluda), es tu problema. Todavía tenemos películas de tres horas. Oppenheimer es un suceso de US$ 980 millones. Creo que quiero seguir haciendo películas clásicas narrativas.

.¿Cómo ve el futuro político de Brasil?

Hay un problema muy grande, no solamente en Brasil, sino que también en Estados Unidos. Las cosas verdaderas y ciertas de la sociedad no deberían ser asociadas a un partido político. Está en la Constitución. El hecho de que Brasil apoye su cultura no es un proyecto del PT, es un proyecto de Brasil. Cuando Bolsonaro llegó al poder en enero de 2019, la primera cosa que hizo fue cortar el Ministerio de Cultura. La primera cosa que Lula hizo en enero (de 2023) fue traer de vuelta el Ministerio de Cultura. El Ministerio de Cultura no es un proyecto de Lula. Lula solamente estaba respetando la Constitución brasileña. Me gustaría mucho que la cultura no estuviese asociada a una ideología política. Cuidar de las personas no es una cuestión de ideología política. La cultura no es una cuestión de ideología política. Me gustaría mucho que, sin importar el resultado de la elección –que creo que será Lula–, la cultura continúe, la salud continúe, el respeto por Brasil continúe. Pero, infelizmente, no es así. Tenemos una situación completamente perversa de visión de sociedad, y no es solamente en Brasil. Hoy es muy claro que el respeto a la sociedad no es la extrema derecha. La extrema derecha es la completa falta de respeto por la sociedad.

La actriz expresa sus dudas en el momento en que se le pregunta por los ingredientes que componen una familia feliz y funcional. Y duda seriamente de su existencia. Esa disposición seguramente se sustenta en experiencias de vida, pero también en lo que ha aprendido gracias a su recorrido en la ficción.

En particular a lo que ha extraído de Padre madre hermana hermano, un sobrio viaje por tres estructuras familiares donde las tensiones se sienten pero nunca estallan, por el que el estadounidense Jim Jarmusch alzó el León de Oro de la 82° edición del Festival de Venecia. “Creo que las familias están en constante cambio y son como una comezón que no podemos rascarnos”, afirma.

A finales de 2025, poco antes de que termine el año, Blanchett se conecta a Zoom. Aparece como “Cate Upton”, el apellido de su esposo, el dramaturgo Andrew Upton (con quien formó una familia de cuatro hijos). La ganadora del Oscar se encuentra con la apertura y el tiempo para hablar sobre temas que sus colegas no siempre se atreven a tocar. Uno de ellos es su mirada sobre las dinámicas familiares.

“Creo que mi teoría es no tener teorías”, señala a Culto. “Ciertamente, como padre o madre, uno atraviesa muchas etapas en las que tiene que confrontar sus suposiciones sobre quién es tu pareja, quiénes son tus hijos. La única manera de mantener la relación viva, dinámica y vagamente sana es deshacerse de cualquier reglamento. Ciertamente, como padre o madre, una vez que intentas criar hijos, y sólo lo intentas, te sientes más desconcertado por tus fracasos que por cualquier cosa que consideres un éxito. Y eso te lleva a comprender mucho mejor a tus propios padres. Sin duda”.

En Padre madre hermana hermano, que se estrena el próximo jueves 9 en cines chilenos y más adelante estará disponible en Mubi, ella asoma en la segunda historia en la piel de Timothea, la hija de una reconocida novelista (Charlotte Rampling). Junto a Lilith (Vicky Krieps), se dirigen a la visita anual a la casa de su mamá en Dublín. Introspectiva y de muecas apenas perceptibles, Timothea cuenta que la han ascendido en su trabajo, pero es interrumpida por su hermana, ansiosa por poner al día a sus madre con sus últimos logros, que incluyen un supuesto matrimonio con un hombre rico y apuesto.

¿Por qué sólo visitan a su progenitora una vez al año? ¿Qué las llevó a tener esa relación con su mamá y entre hermanas? ¿Por qué les tres visten de rojo? Esas son la clase de preguntas que el autor de Mystery train (1989) deja que el espectador responda por sí mismo. Las pistas están desperdigadas en los silencios, en los pequeños gestos y en las posturas que adoptan sus actrices.

“La mayoría de las familias tienen un componente performativo. Ni siquiera importa el tipo de familia ni la época. Creo que a menudo estamos representando una actuación de nosotros mismos. En particular en esta dinámica familiar hay una actuación formal en el momento en que toman el té, es como una puesta en escena (...) Hay una incomodidad inherente y una sensación de actuación que creo que fue interesante interpretar –en el mejor de los casos– de forma sutil”, plantea.

La actriz cuenta que en un principio iba a interpretar a Lilith, la hermana que aparenta, pero detectó que se parecía a uno de sus personajes en Coffee and cigarettes (2003), también del mismo director, y le sugirió un cambio.

“(Timothea) me pareció muy peculiar. No habla mucho, la consideran la más aburrida de la familia, y me interesaba interpretar a alguien que no acaparara toda la atención, lo que me encantaba. A menudo las personas calladas pasan desapercibidas, se las considera inseguras o poco interesantes. Pero cuando la gente se retrae, no necesita expresarse constantemente. Y me parece muy interesante que ella se tome un momento de tranquilidad allí dentro. Es como si dijera: necesito respirar aquí arriba y luego volveré. Y eso me encanta”, apunta.

-Esta es una película muy contenida. ¿Ustedes hablaron sobre las cosas que sus personajes no pueden o no quieren decirse?

Nunca había trabajado con Charlotte ni la conocía, y pensaba que sus interpretaciones eran muy introspectivas. Aunque es una persona espectacular y es físicamente memorable en cada papel, la intensidad de la vida interior de sus personajes ha quedado grabada indeleblemente en mí como actriz. Así que me sorprendió lo mucho que Charlotte quería hablar de eso. Hablamos mucho. Cenamos y pasamos tiempo en su habitación en la casa. Vicky y Charlotte se acurrucaban en su cama. Todas almorzábamos allí. Fue como una pijamada de dos semanas. Era como si nos comportáramos como una especie de unidad peculiar y hablábamos mucho de la familia. Y creo que eso probablemente se debe a la historia que estábamos contando. Eso fue un poco antes del inicio del rodaje, pero mucho durante el rodaje.

-¿En algún momento del rodaje pudo compartir con todo el elenco? ¿O siempre trabajaron por separado?

Sí, fue así. Yo sabía quiénes habían sido elegidos para las otras secciones, pero nunca compartimos el mismo espacio en el set hasta que llegamos a Venecia. Y ni siquiera todos estaban allí. Pensé: ¡Por fin voy a filmar con Tom Waits y Adam Driver! Pero nunca estuve con ellos. Es una pena. Me encantaría compartir escena con ellos algún día. Jim obviamente tenía todo eso muy claro en su mente (...) Creo que en verdad la filmó en orden. Pero sí, yo tenía muchísima curiosidad por ver cómo era el conjunto. Y es un todo, no es una antología. Es una película en toda regla. Creo que cuando se la describes a alguien, piensas: ah, son tres partes separadas. Pero creo que el ritmo y las similitudes son más profundos que las diferencias entre las familias; esa sensación de anhelo y pérdida y el desconcierto que a menudo experimentamos cuando volvemos a nuestra familia de origen.

-En la época en la que hicieron Coffee and cigarettes su carrera estaba en una etapa muy diferente. Por ejemplo, aún no había hecho El aviador (2004). ¿De qué manera la cambió trabajar con Jarmusch en ese momento? ¿Y de qué modo la cambió ahora que se reencontraron?

Me encanta interpretar más de un personaje en el cine. Es algo que he hecho varias veces en el teatro, pero nunca había tenido la oportunidad de hacerlo en el cine. Y hacerlo con Jim y con (el director de fotografía) Fred Elmes fue una experiencia excepcional e intensa. Siempre me entusiasman las sorpresas, y que me propusieran hacerlo con él fue totalmente inesperado, por lo que aproveché la oportunidad sin dudarlo.

“Después mi marido y yo dirigimos una compañía de teatro durante una década, y dejé de hacer películas durante un tiempo y hacía tiempo que no veía a Jim. Nos encontramos por casualidad en Nueva York y ambos dijimos: ¿Cuándo vamos a trabajar juntos de nuevo? Y un año después hicimos esto. Fue un placer volver (a colaborar). Uno suele volver a trabajar con directores y actores en el teatro, pero no lo he hecho tan a menudo en el cine. Y es realmente maravilloso cuando sucede. Creo que se desarrolla una especie de comunicación abreviada, una confianza que surge de forma más implícita e inmediata”.

-Cuando a futuro repase su trayectoria, ¿qué lugar cree que ocupará esta película a nivel emocional?

Creo que la experiencia de hacer una película suele ser muy diferente a la de verla, sobre todo a verla con público. Pero para mí fue una experiencia muy cálida. Cuando ahora veo a Vicky y a Charlotte, es como si hubiéramos formado una pequeña familia en aquel momento. Me conmovió mucho. No te lo esperas, pero cuando sucede es precioso. Sentí que las conocí de una forma rápida y profunda. Y fue maravilloso. Siempre es maravilloso volver a trabajar con un cineasta con el que, debido al paso del tiempo y las circunstancias, has perdido el contacto. Pero poder reencontrarme con él fue realmente especial. Te recuerda a ti mismo en una etapa anterior de tu carrera.

Entre gigantes

Poco antes de esta entrevista, Cate Blanchett volvió a ver a la actriz Liv Tyler, con la que hace tiempo no hablaba. Ambas inmediatamente se largaron a charlar sobre la realización de la trilogía de El señor de los anillos, donde dieron vida a Galadriel y Arwen, respectivamente.

“Ninguno de nosotros sabía en qué se iban a convertir. Todos estábamos allí, ya fuera porque éramos grandes fanáticos del libro o, como yo, una enorme fanática de Peter Jackson y Fran (Walsh). Así que no teníamos ni idea del impacto que iban a tener, ni de cómo iban a definir lo que era posible. Quiero decir, el término ‘franquicia’ en el cine no existía entonces. Era la época –dice con la entonación propia de alguien que cuenta una vieja historia– en la que la gente apenas estaba empezando. Eran los inicios del escaneo (técnica pionera de efectos visuales), todo eso era algo nuevo en aquel entonces”, advierte.

Aunque pasen los años y las magnitudes de cada proyecto puedan variar, su aproximación al trabajo se mantiene intacta. “Mi lealtad, mi fidelidad, no era tanto hacia Tolkien como hacia Peter Jackson. Participé en una película de Peter Jackson de la misma manera en la que puedo participar en una de Jim Jarmusch. Así que no se siente diferente”.

-¿Qué lugar ocupa Jim Jarmusch entre los grandes directores con los que ha trabajado?

He tenido la fortuna de trabajar con muchos, me siento muy afortunada. Uno desarrolla una noción de lo que es posible, y creo que uno deja de lado cualquier suposición y simplemente tiene que estar atento a lo que le piden que haga. Y todos los grandes directores con los que he trabajado poseen una extraña combinación de una increíble seguridad en su visión, pero una profunda humildad para estar atentos a lo que sucede frente a ellos. Hay una fluidez en eso que les permite tener una idea muy clara del encuadre, de cómo quieren que el filme se vea y se sienta, pero están dispuestos a dejar de lado las ideas preconcebidas y adaptarse a lo que sucede frente a ellos. De ese modo, como resultado, sus películas se vuelven realmente vitales. Son actores que de alguna manera son capaces de equilibrar lo técnico y la naturaleza emocional y más febril de la realización cinematográfica. Jim (Jarmusch) por supuesto que está ahí arriba. Es un ícono.

-Uno de los temas más candentes en Hollywood en este momento es la inteligencia artificial. ¿Cuál es su opinión al respecto? ¿Le preocupa? ¿O no le parece un problema mientras se sigan haciendo películas como esta?

El miedo no nos llevará a ninguna parte. La concienciación, sí. Pero, la verdad, nadie en el mainstream hablaba de esto en masa antes de la huelga de guionistas (en 2023). Nos corresponde a nosotros, como industria pública con visión de futuro, estar al tanto de estos temas y analizarlos a fondo. Creo que debemos hacerlo en beneficio de las personas que no tienen voz, plataforma ni una forma de reunirse y debatir sobre ello.

“Estoy muy preocupada. Escuché a Ethan Hawke, a quien adoro, decir que la IA le aburre, y estoy de acuerdo con él. El porqué es la primera pregunta que uno se hace en cualquier proyecto creativo: ¿Por qué? Hay que analizar las cosas a fondo para desarrollar un sistema que permita afirmar que vale la pena seguir adelante, que vamos por el buen camino. Hay que ser riguroso. La falta de un debate público riguroso en torno a la IA y su desarrollo, los datos con los que se alimenta y quiénes quedan excluidos de ellos, es increíble. Parece haber muy poco rigor y nadie se pregunta por qué ni qué, y me resulta asombroso. Por eso, me siento muy agradecida de formar parte de conversaciones que realmente lo analizan. Y debo decir que hay muchas mujeres que están llevando a cabo un análisis profundo, y la verdad es que no me sorprende”.

-Ha hablado sobre la importancia de la empatía como base para la resolución de conflictos. Y sigue estando muy involucrada con su compromiso humanitario. ¿De dónde cree que proviene esto?

Sí. En el capitalismo tardío hay que luchar por el poder de la empatía. Cuando todas las emociones humanas se mercantilizan, es fundamental recordarlo. Ese es, en cierto modo, el superpoder humano y nuestro elemento diferenciador.

En los últimos días de 2025, el año en el que también estuvo en los cines con Código negro, de Steven Soderbergh, y en el streaming con un cameo en el final de la serie El juego del calamar, Blanchett comparte un análisis que probablemente no ha perdido vigencia.

“Como especie estamos en una situación difícil de desenredar. Siento que las lecciones aprendidas o las oportunidades que nos brindó la pandemia se han despilfarrado en cierta medida”, observa.

Pese a eso, declara, “creo que hay que mantener una actitud positiva. No pierdo la esperanza, pero hay mucho por hacer y, para ser honesta, me resulta muy difícil saber dónde concentrar la energía, pero suele ser alrededor de las niñas y las mujeres”.

La reja del pasillo se cierre con un ruido y Clarice Sterling (Jodie Foster) se estremece levemente. Comienza a caminar hacia la celda donde está retenido Hannibal Lecter (Anthony Hopkins). Mientras suena la musica misteriosa de Howard Shore, Lecter espera a Clarice, de pie, en medio de la celda. “Buenos días”, la saluda. Su tranquilidad es la que hace el contraste de la escena que lo introduce en El silencio de los inocentes (1991).

Joker - Batman, the dark knight

Un sujeto es recogido para el atraco a un banco. A medida que la pandilla perpetra el robo, se revela que su jefe es el misterioso “joker” y les pidió matarse entre sí. Al final solo queda uno, que es enfrentado por el gerente del banco, pero lo abate de un disparo. Luego se quita la máscara y se revela como el villano. “Creo que lo que no te mata simplemente te hace...más extraño”, le dice, mostrando sus características cicatrices y su rostro pintado. Así vemos por primera vez al Joker, interpretado por un notable Heath Ledger.

Darth Vader - Star Wars: a new hope

Probablemente de las entradas más icónicas del cine y define mucho a Star Wars. Un pasillo humeante en la nave consular, tras el tiroteo entre las tropas de la rebelión y los stormtroppers que se recuperan del enfrentamiento. De pronto se abre una puerta y la música orquestal de John Williams anuncia a Darth Vader. Manos en jarra, se escucha por primera vez su inquietante y mecánica respiración. Brutal y memorable.

Hans Landa - Bastardos sin gloria

Si Quentin Tarantino tiene una habilidad, es la de crear momentos memorables para sus personajes. Así lo hace en Bastardos sin gloria (2009) con Hans Landa (Christoph Waltz), un eficiente oficial del SD, que llega hasta una granja lechera en el campo francés en busca de una familia judía desaparecida. Su amabilidad y cortesía con el campesino que lo recibe, contrastan con la tensión del momento y logra salirse con la suya.

El T-Rex - Jurassic Park

Es un personaje sin líneas, pero del que se habla en toda la película. Desde que el señor Hammond, el dueño del Parque Jurásico, confirma que tienen un T-Rex, lo único que desea el espectador es verlo. Y su aparición está a la altura. La famosa toma de las ondas en el vaso, que anuncian los pasos del dinosaurio, hasta su irrupción como un depredador implacable, es una clase de como generar tensión. El talento de Steven Spielberg en toda su amplitud.

Indiana Jones - En busca del arca perdida

Un clásico de la narración visual. Pasa de una visión subjetiva al plano general. En Los Cazadores del Arca Perdida (1981) vemos a un aventurero sin rostro liderando una patrulla de hombres hacia las profundidades de la jungla. Un traidor le apunta con un revolver pero el protagonista lo desarma con un látigo. Ahí se ve por primera vez el rostro del Dr Indiana Jones y revela de inmediato rasgos de su personalidad: intrépido, audaz y decidido. Una entrada que funciona porque dice más de lo que parece.

La joven comenzó a compenetrarse rápidamente en ese mundo, al punto que poco después ingresó al conservatorio de la Universidad de Chile para estudiar interpretación musical. Pese a que no es un instrumento “popular”, Tapia se decantó por la viola debido a su sonido y sobre todo por la función que cumple en la música de cámara. Pero además porque consideraba que la viola poseía una personalidad única: “Está presente pero es tímida”.

A esta joven no solo le interesaba la música clásica, sino que también la popular, y en especial Colombina Parra, que le parecía un referente femenino valioso por su forma de ser auténtica y revoltosa. Muchos años después, en 2024, Colombina actuó junto a la Orquesta Usach para presentar Canto para una semilla, basada en décimas de Violeta Parra. Ahí coincidió con Alejandra, quien se desempeñaba como intérprete de viola en ese ensamble. “Su voz me pareció increíble y me armé de valor para ir a saludarla. Me gustaba mucho lo que hizo con Los Ex. Al tiempo, le mandé un archivo por correo con un arreglo para quinteto de cuerda que yo había hecho para La corbata de mi tío”, cuenta Tapia, que quería obsequiarle algo a la cantautora en agradecimiento por la experiencia en la Usach.

Tapia reversionó esa canción —la consideraba “potente, teatral y operática”—, con un arreglo de cuerdas sin que sonara hollywoodense. Su idea, más bien, era acompañar la historia que se cuenta en la composición original. A Colombina le encantó el arreglo y se lo hizo saber a Alejandra vía correo. No pasó mucho hasta que intercambiaron teléfonos y comenzaron a dialogar por WhatsApp. Coincidía que por esos días Parra se encontraba trabajando junto a Jorge González y le comentó al músico sobre los arreglos de la violista. Jorge se interesó y pocos días más tarde se conocieron. Con el correr de las semanas nacería un nuevo dúo: Ale y Jorge.

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Tras varios meses de trabajo, finalmente este sábado 6 de junio saldrá a la luz un álbum facturado por González y Tapia que lleva por título Ale y Jorge, de Aula Records, sello discográfico de la Usach. Este disco se publicará en una edición limitada de 40 copias en vinilo y estará disponible ese día de forma exclusiva en la Feria Vinilo Garage, en el GAM. Esta obra, que también estará en plataformas digitales, se suma al inminente lanzamiento de otro trabajo de Jorge en dupla con Miguel Conejeros llamado Cobijo.

De 10 pulgadas y con un cuidado trabajo de arte a cargo de Jacqueline Fresard —que también diseñó la portada de Cobijo—, Ale y Jorge podría “etiquetarse” como música experimental. Aunque no se perciba inmediatamente, esta obra posee dosis de teatro, humor, melancolía y un cúmulo de otras emociones, además de referencias que van desde Igor Stravinski a las anticuecas de Violeta Parra y Astor Piazzolla.

Constituido por seis piezas —una lleva el nombre de En puntillas tras de ti, otra Cabalgata coja—, aquí la viola de Alejandra Tapia es la voz protagónica, con arreglos, ambientaciones y diseño sonoro de González. “Esto no es una obra clásica ni sinfónica, es música experimental. Diría que es como la unión de dos mundos: el académico y lo popular”, explica la violista a Culto desde un café cerca del Metro Salvador. Por mucho que el tono sea experimental, el álbum transita por hermosas melodías —evocadoras y conmovedoras— que sorprenderán incluso al más conocedor de la rica obra musical de Jorge González.

Jorge González y Cobijo

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¿Recuerdas cómo fue tu primer encuentro con Jorge?

Estaba nerviosa, porque no sabía a lo que iba. No sabía si era una reunión o un ensayo. Tampoco sabía mucho qué estaba haciendo Jorge con Colombina. Ese día llegué con mi viola porque venía de un ensayo. A ambos les llevé unas hojas impresas con los arreglos que hice para La corbata de mi tío, como una monería. Ese día no tocamos nada, solo escuchamos música, conversamos y tomamos tecito. Fue muy entretenida y bonita esa tarde. Desde ahí se fueron dando solo las cosas.

¿Imaginaste que terminarías componiendo un álbum con Jorge González?

Yo pensé que sería esa pura visita y nunca más. Lo tomé como un regalo super bonito. Resulta que Colombina y Jorge habían estado grabando esos temas que después subieron a Bandcamp. De repente me preguntaron si a alguna de esas canciones quería introducirle algo de viola. Y así comenzamos a intercambiar ideas y a enviarnos música, hasta que un día me armé de valor y le envié cosas que había hecho yo. La verdad que yo no tenía idea si quiera de cómo grabarme. Al principio lo hice con un micrófono de esos que uno ocupa para Zoom.

¿Y qué pasó después de eso?

Desde que yo estaba en la universidad componía. Entonces sacaba el MIDI y le mandaba a Jorge archivos de audio. Gracias a eso comencé a entender cómo funcionaban los programas para grabar, y le mandaba cosas mías que se me ocurrían, melodías y esas cosas. Me acuerdo que un día me devolvió algo que le mandé yo, pero le había metido sintetizadores. Yo flipé por lo lindo del resultado. Él le dio la vuelta a algo que era una melodía humilde. Yo no sabía que podía sonar así la atmósfera de un track de viola. Y ahí empezamos a colaborar los dos. Jorge igual me pedía a veces cositas para que yo tocara, o yo le mandaba lo que estaba haciendo. Así surgió esta relación musical. Acá no hay una ordenanza onda “tú haz esto”, sino que fluye de manera natural.

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Tal como hizo con Miguel Conejeros para Cobijo, González trabajó con Tapia a distancia, pero en diálogo permanente. De a poco, Alejandra fue mejorando la calidad de sus grabaciones y se lanzó a producir las cosas que tenía en su mente: “Muchas veces me frenaba, porque no sabía si debía escribir una sonata o una improvisación escrita, porque hay muchas reglas en la música académica. Por conservar la tradición uno se coarta un montón. Pero al final me solté”. Tanto así que la violista adquirió una interfaz de sonido para que el intercambio de archivos fuese aún más fluido, aunque de todos modos se sentía alejada a ese mundo, es decir, a componer fuera de una partitura.

“Jorge me ayudó un montón en ese aspecto”, cuenta. Y de Colombina aprendió que en ocasiones los errores son geniales y le dan mayor naturalidad y humanidad a las composiciones. “Los errores hacen la diferencia en lo que parece perfecto. Marcan la diferencia y se siente todo más vivo”, cuenta Tapia.

La idea de plasmar este intercambio en un álbum surgió de Aula Records.

—Vamos a hacer un disco, le dijo Jorge a Alejandra de un día para otro.

—Mándame todo, le solicitó el músico.

“La forma y el concepto del álbum es totalmente de él”, dice la violista. “Yo le mandaba lo que se me iba ocurriendo y entre todo eso él armó el disco”, agrega.

¿Cómo definirías el enfoque musical que posee este álbum?

Es evidente que no es rock. No soy fan de las etiquetas, pero cada persona puede ponerle la etiqueta que quiera. Diría que es un híbrido de músicas, emociones y momentos. Diría que es música contemporánea, experimental, electroacústica. Aparte tampoco tengo toda la música escrita: hay partes que sí y otras que no. Me quedo con lo de experimental, porque así lo percibí yo desde mi interna. La viola era lo que yo tenía para grabar en ese momento. Me preguntaba, si hago esto ¿qué le hará Jorge?

¿Sería algo así como un álbum electroacústico experimental?

Sí. Acústico por mi viola y electro por cómo Jorge manipula la viola. No es solo grabar algo para viola, como una improvisación o un capricho, sino que Jorge expandió ese lugar para mostrar la música de distintas formas. En Bandcamp hay mucha música con violines, violas, sintetizadores y efectos. Por ahí va. Jorge le dio curso a mis melodías. Buscamos que no fuese convencional ni obvio. No buscábamos que sonara bonito; queríamos que sonara auténtico, sin miedo.

Agrupación chilena de larga trayectoria, con músicos de la talla de Alejandro Gómez y Ricardo Contesse, son considerados referentes locales en el desarrollo del sonido de influencia británica. Se espera que salgan a tocar a las 19:30 horas.

Pulp llega a Chile como parte de una gira latinoamericana que ya pasó por México y tendrá además fecha en Argentina. Aún hay entradas disponibles en el sistema Puntoticket.

Los horarios del show a continuación

Por ello es que lo del próximo 8 de junio en el Movistar Arena -adelantado por Culto en su momento- asoma como un hito para los íconos del britpop. Será su concierto más grande en el país a la fecha y en un momento particular en que han reactivado la actividad discográfica.

Como en los viejos tiempos, en marzo pasado el grupo liderado por Jarvis Cocker lanzó un EP con tres temas, Marrying For Love, Cold Call On The Hotline y la canción que da título, una sorprendente versión para The Man Comes Around, original de Johnny Cash y escrita poco tiempo antes de su muerte.

La aproximación de Pulp a ese tema de Cash, más sensual y evocativa -con relato hablado de Cocker incluido-, sonó en la serie Hacks. Mientras los otros dos temas, derivan de las sesiones de grabación del álbum More. La música de Marrying for Love, fue compuesta por el baterista Nick Banks (de hecho arranca con la percusión), mientras Cold Call on the Hotline, vino desde la inspiración de la tecladista Candida Doyle.

More, fue el disco de 2025 en que el grupo volvió a la dinámica de los lanzamientos tras 24 años. Un trabajo grabado en apenas tres semanas de noviembre de 2024 y trazado entre sus giras de reunión, de hecho, la canción que inició todo, The Hymn of the North, se empezó a crear durante las pruebas de sonido.

En general, se trata de un disco de regreso que tuvo buena crítica. “Empapado de sintetizadores y cuerdas, y con la ayuda del talento del productor James Ford para hacer que la música se sienta viva y omnipresente, More es todo lo que uno esperaría de un álbum de Pulp, enriquecido por la experiencia vivida”, escribió NME.

Tras una gira europea y norteamericana en el verano boreal de 2025, la banda volvió a salir a la carretera esta temporada. Esta vez con presentaciones en Australia y Nueva Zelanda, a las que suman el tramo latinoamericano con una reciente presentación en el Palacio de los Deportes, en México, a las que le siguen, los show en Chile y Argentina, para luego volver a Europa con fechas en Francia, España y el cierre en Manchester, con un concierto en el Parque Wythenshawe de Manchester.

En su paso por México, las reseñas fueron positivas. El show repasa la historia del grupo, arrancando con dos calados, Sorted for E’s & Wizz y Disco 2000. “El Palacio bailó como si estuviera dentro de aquel video icónico, con esa mezcla de torpeza elegante y euforia británica que solo Jarvis puede volver universal. No era solo escuchar una canción: era recordar que hay himnos que sobreviven porque todavía nos quedan perfectos aunque la vida ya nos haya cambiado la talla", detalló el sitio Polvora.

Por supuesto hubo temas clásicos, como Razzmatazz, F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E., Underwear, This Is Hardcore, entre otros, aunque con mucho material del clásico disco Different Class. También suenan algunos cortes de More, como Spike Island -un neo clásico del grupo-, Farmers Market, la bella A Sunset, entre otras.

Un momento notable es cuando se le hace elegir al público la canción sorpresa de la noche. Ocurre en el segundo acto de la noche, cuando al público -siguiendo el clásico ritual del aplausómetro- se le hizo elegir entre Seconds del EP The Sisters y Bad Cover Version, la elegida por el público mexicano. Es probable que esa dinámica se repita en su show en el país.

Aún hay entradas disponibles para asistir al show de Pulp en el Movistar Arena, entrando en el sistema Puntoticket.

El titular del ​​Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio apuntó “a todos quienes estuvieron responsables de la puesta en escena”, entre ellos la actriz Amparo Noguera, quien –según su versión– comandaría la productora detrás del montaje.

Noguera niega rotundamente se grado de implicación. De hecho, la artista afirma a Culto que asistió en calidad de invitada debido a que esta versión de la obra de Isidora Aguirre es la que su padre, Héctor Noguera, montó con éxito en colaboración con el GAM y ha continuado girando después de su fallecimiento, en octubre de 2025, a los 88 años. La producción general de la misma recae en Piedad Noguera, su hermana.

“Esta era la primera función que se hace después de la muerte de mi padre, por lo que para todos era una función muy significativa. Originalmente se iba a realizar en enero (en la Plaza de la Cultura) y se tuvo que suspender porque ese día se anunció una tormenta”, señala al teléfono con este medio.

“Yo no tengo ninguna relación con la producción ni con la dirección de La pérgola de las flores –enfatiza–. La única relación que yo tengo es que es un montaje que me fascina por varias razones artísticas y emotivas, las que me hacen querer asistir a cada función. Para mí es una fiesta desde todo punto de vista”.

La actriz reconoce que se sorprendió al escuchar que Undurraga había tildado la situación como una “encerrona” y que la había emplazado directamente. “Me parece que es una falta de información enorme respecto a las circunstancias que rodean esta obra. Pensar que yo comando esa producción o que tengo algún poder sobre el público que asiste o sobre el montaje o sobre los actores, es una desinformación importante”, explica.

“A veces pecamos de falta de información, pero el problema es que el ministro de Cultura no puede hacerlo. Y luego se transforma en una acusación muy grave hacia una persona natural, que soy yo. No soy ni política ni formo parte de nada. Yo soy una persona natural, soy una actriz. Soy la hija del director, que es Héctor Noguera, Premio Nacional de Arte de este país. Es una falta de respeto no sólo a mí, sino que hacia la memoria de mi padre, que no es un actor menor, que es un actor que ha hecho historia en este país, que es un actor que luchó siempre inteligente y educadamente por los derechos del teatro y del arte en general. Es una persona amada transversalmente por todos los chilenos, respetada por ellos. Entonces, afectan también a la memoria de él”.

“Si mi padre estuviera vivo, te aseguro que estaría hablando de esto. Te lo aseguro”, subraya.

Los recortes

La actriz cuenta que en un inicio su plan era ver La pérgola de las flores este fin de semana en compañía de tres integrantes de su familia. Uno de ellos era una sobrina nieta que no pudo sumarse. Finalmente, cuenta en esta entrevista, llegó sola. “Incluso a mí me podría haber pasado algo doméstico a última hora y podría no haber llegado a la función”, apunta.

Noguera responde de ese modo a los dichos del ministro Undurraga, quien ayer declaró que a su equipo de avanzada se le informó que ella estaría junto a una sobrina y que en el lugar se sorprendió al encontrarse con su antecesora en el cargo, Carolina Arredondo.

“¿Por qué no me pueden informar? ¿Por qué tiene que ir oculta? ¿Por qué tiene que ir bajo la razón de que es sobrina? Si le dijeron a la avanzada mía que se iba a sentar al lado de una sobrina, no la exministra”, expresó el jefe de cartera en conversación con radio Universo.

Respecto a su supuesta responsabilidad en la participación de Arredondo, la actriz aclara: “No solamente la descarto. La encuentro una deducción delirante. ¿Cuál es la base de eso? Es como algo que yo hubiera planificado maquiavélicamente”.

“Fue un abucheo importante. Para mí fue incómodo también, no creas que no. Yo no estaba feliz. Es incómodo, es fuerte”, plantea en relación a la situación que vivieron Undurraga y Rincón, frente a una audiencia que “no era gente relacionada con la cultura, era público general. Familia, niños, etc.”.

De acuerdo con su punto de vista, “se trata de una reacción espontánea del público. Si eso es adecuado o no, si la espontaneidad es adecuada o no, es algo que me cuesta responder. Creo que son actos espontáneos en un espacio que ha ofrecido el teatro históricamente. El arte y la cultura son puntos de encuentro donde la gente se ve reflejada, donde la gente reacciona, donde la gente entiende cosas. No es una provocación. El teatro realmente es un espejo de la realidad de las sociedades y de la humanidad”.

En este caso, sostiene, “La pérgola de las flores es una obra que en sí es política. Si el ministro piensa que se trata de una ingenuidad llena de canciones hermosas, no conoce la obra. Es una obra donde un grupo de estudiantes y un grupo de pergoleros defienden su lugar de trabajo. Que eso tenga que ver con el 2026, y siga siendo vigente, me parece curioso y grave”.

De acuerdo con su análisis, lo ocurrido el sábado pasado en el Centro Cultural CEINA está estrechamente ligado al anuncio de recortes en el ​presupuesto del ​Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, parte de la política impulsada en todas las carteras por el gobierno del presidente José Antonio Kast.

“La gente no está de acuerdo con las decisiones de los recortes en la cultura. ¿Qué pretenden? Por supuesto que no me asombra. Así como no me asombra ninguna manifestación que se está realizando en las calles. No me asombra la preocupación de la gente con la educación o la salud. Porque hay recortes que son muy graves. De verdad, pregunto seriamente, ¿qué pretenden? ¿Entrar a un lugar y que sean aplaudidos y vitoreados cuando la gente está descontenta? Entonces, adjudicarle a una actriz como yo, que no tengo pero que ni pito que tocar, que supuestamente fui la que organizó este movimiento, me parece delirante”.

-En la misma entrevista el ministro Undurraga recordó que Ud. participó en la campaña del Apruebo durante el primer proceso constituyente. ¿Cómo recibió ese comentario?

Sí, claro, yo formé parte del Apruebo, al igual que mucha gente formó parte del Apruebo, pero no por eso soy una persona que mueve masas. Ni siquiera tengo una participación política de militancia en ningún lugar. Yo no soy dirigente. Soy una actriz que participó como participó mucha gente más. Y eso no me pone a mí, ni a ninguna de las personas que participamos en esa campaña, como una persona incitadora a la violencia. Así como creo que ninguna persona que participó en el Apruebo dice que la gente del Rechazo incita a la violencia. Eso es una irresponsabilidad.

-Antes del episodio de este fin de semana, ¿tenía una opinión formada en torno al ministro? ¿Esa opinión se mantiene?

Para serte bien sincera, yo no conocía tanto la gestión anterior del ministro Undurraga. La gente estaba como dudosa frente a cómo iba a ser su gestión. Bueno, ahora la cosa ha ido cambiando. Pero que me culpen tan vulgarmente a mí, o que diga que los actores de La pérgola de las flores modificaron los textos de la obra, me parece de una ignorancia enorme, una falta de información enorme y una ceguera y un no asumir cuál es la responsabilidad de ellos y negar las reacciones de la gente para la cual ellos están gobernando. Eso es grave.

Tras publicar en febrero pasado el EP “verano del 2016” junto al productor Truffy, el músico apuesta en esta ocasión por una composición breve e infecciosa construida sobre un ritmo inspirado en el house de la década de los 90. El track, producido por LACUEVA, propone una estructura bailable orientada tanto a las pistas de discotecas como al espacio doméstico. En cuanto a su letra, el single aborda la figura de una mujer independiente, definida por la autonomía y la ausencia de temores frente a su entorno.

A pesar de la veta electrónica de este primer sencillo, la primera parte de G LOVE 3 significará el retorno de Gianluca a las raíces de su propuesta. El esperado mixtape está concebido como una vuelta al sonido trap clásico, crudo y melancólico con el cual el artista conquistó la escena local a fines de la década pasada. De esta manera, el proyecto busca reconectar con la atmósfera urbana que lo impuso históricamente como uno de los nombres fundamentales y más influyentes dentro del género urbano criollo.

El estreno de DIVA viene acompañado de un videoclip. cuya dirección estuvo a cargo de la dupla de realizadores Tiara Bustamante y Max Nadjar. El videoclip sitúa la acción en un ring de boxeo, donde Gianluca se enfrenta a la escritora y creadora de contenido chilena Romina Pistolas.

A través de la narrativa del combate, el video desarrolla una dinámica de tensiones donde se entrelazan la confrontación deportiva y un apasionado romance entre ambos protagonistas, donde Dindi Jane también oficia como entrenadora de Pistolas.

La participación de Romina Pistolas en la pieza coincide con un momento clave de su carrera literaria. La autora se encuentra actualmente en plena campaña de promoción de su segundo libro, “Mi año de sexo y relajación”, publicado recientemente bajo el sello Suma de Letras (Penguin Random House). Escrito en un formato de diario íntimo, el texto deja atrás los alter egos para narrar con crudeza, humor y de forma incisiva sus propias bitácoras de encuentros afectivos y procesos de autodescubrimiento.

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“Me encanta dibujar y me encanta escribir, pero en cuanto me pongo solo a escribir me pongo muy serio. Pierdo el sentido del humor. Para mí, el dibujo es la narración. Lo que no escribo, lo dibujo. Me ayuda a expresarme. Así que ni siquiera fue una elección para mí”, dijo en entrevista con KPBS Public Media, comentando que para ella fue natural contar su historia por esa vía.

Hoy Persépolis ha vuelto a la palestra por la intempestiva muerte de Marjane Satrapi a los 56 años en París. Según recogen los medios internacionales, su familia afirma que murió “de tristeza” poco después del fallecimiento de su marido, el productor Mattias Ripa, en 2025. La pareja compartió tres décadas de vida. En sus últimas apariciones públicas, Satrapi había expresado el profundo vacío que sentía sin él.

“Si quieres hablar al mundo, habla de tu aldea”

Pero volvamos a Persépolis, publicada en cuatro volúmenes entre 2000 y 2003, Satrapi no solo relató su autobiografía: transformó la historia convulsa de Irán en una narrativa íntima, irónica y profundamente humana. El cómic en blanco y negro se convirtió en fenómeno global, fue adaptado al cine con éxito y sigue siendo referente de la novela gráfica junto a Maus de Art Spiegelman.

En entrevistas, Satrapi insistía en la universalidad de su relato: “Si quieres hablar al mundo, habla de tu aldea”, citando a Tolstói. “Pensaba en eso. Si hablas de grandes cosas, como ‘los iraníes’, no significa nada. En cambio, puedes identificarte en una persona concreta”, dijo a El País, en 2020.

El cómic mezcla grandes acontecimientos históricos con la vida cotidiana: pósters prohibidos de Iron Maiden, rebeldías adolescentes y el dolor de las pérdidas. El velo, por ejemplo, se convierte en símbolo de un sistema que limita la autonomía de las mujeres. Su madre había protestado contra él, pero pronto se impuso como obligatorio.

A los 14 años, sus padres la enviaron a Austria para protegerla. Esa separación marcó su exilio y su búsqueda de identidad: “Soy una occidental en Irán, una iraní en Occidente. No tengo identidad”, recoge Infobae.

Una vez en Europa, enfrentó racismo y desarraigo, llegando incluso a un intento de suicidio del que se recuperó con resiliencia. “La libertad”, repetía en conversaciones, “es tener aire en los pulmones. El resto viene por añadidura”.

“En Europa, normalmente la gente del Tercer Mundo viene por razones económicas -dijo a El País-. Los iraníes no se marcharon de Irán por razones económicas. Normalmente era gente de izquierdas, bien instruida, de clase media y con un cierto nivel de vida. Era una inmigración política. En mi caso, al llegar a Francia mi nivel de vida se dividió por cinco. En Teherán tenía un apartamento de 130 metros cuadrados y me encontré en uno de 25 metros cuadrados. Allí tenía mujer de la limpieza, iba en coche. Pero vine porque quería la libertad. Tercermundana significa que eres tercermundista pero no pobre”.

Sobre Persépolis, Satrapi siempre subrayó su intención humanizadora, una intención de salir del relato simplón y estereotipado. Asi lo dijo en charla con el sitio believer.net. “El problema es el siguiente: hoy en día, la descripción del mundo se reduce a un sí o un no, a blanco o negro. Historias superficiales. Historias de superhéroes. Un bando es el bueno. El otro es el malo. Pero yo no soy quien da lecciones de moral. No me corresponde decir qué está bien o mal. Describo las situaciones con la mayor honestidad posible. Tal como las vi. Por eso uso mi propia vida como material. Yo mismo he visto estas cosas, y ahora se las cuento. Porque el mundo no se reduce a Batman y Robin luchando contra el Joker; las cosas son más complicadas. Y nada da más miedo que la gente que intenta encontrar respuestas fáciles a preguntas complicadas”.

Más bien, señalaba, su obra quería mostrar la realidad iraní en toda su complejidad. “Todos creen que son los únicos que sufren. O que son los únicos a los que les gusta el helado o que llevan a sus hijos de vacaciones. La gente siempre se sorprende al saber que en Irán conocíamos el punk rock. A veces lo conocimos antes que los estadounidenses. Tengo amigos del Medio Oeste que descubrieron el movimiento punk después que yo. Esto también demuestra el poder de las anécdotas, de una pequeña historia, para explicar el panorama general. Así que incorporé mis propias anécdotas para comentar sobre el mundo".

En 2006, adquirió la nacionalidad francesa, y en charla con El País, explicaba por qué no deseaba volver a Irán. “Me considero franco-iraniana. A nivel sentimental soy muy iraní; a nivel cerebral soy muy cartesiana, muy francesa. No es buena idea volver. Me lo han desaconsejado. No me arriesgo. No soportaría estar en prisión, Si me encerrasen, moriría a las dos semanas”.

La adaptación animada de 2007, codirigida con Vincent Paronnaud, ganó el Premio del Jurado en Cannes y fue nominada al Oscar. “La animación nos ayudó precisamente por la abstracción del dibujo. Se volvió mucho más universal porque todo el mundo podía identificarse con ello” dijo a KPBS. Es que de alguna manera, el blanco y negro y el estilo estilizado permitieron trascender lo geográfico.

Opositora al régimen iraní, se manifestó en contra de uso obligatorio del velo para las mujeres. “Yo estoy totalmente en contra del velo -dijo a El País-. Sé lo que quiere decir: que yo, como mujer, soy un objeto sexual y que este objeto sexual no debe verse porque la mera visión de los cabellos puede provocar una erección general en la calle. Detesto el velo. Pero más importante que lo que yo deteste son los derechos humanos, un texto escrito en este país que dice que la gente tiene el derecho a ejercer la religión que quiera y a vestirse como quiera. Como considero que los derechos humanos son superiores a mi punto de vista personal, pelearé por que estas mujeres puedan llevar el velo aunque yo lo deteste”.

Persépolis se puede encontrar en Chile a través del sello Reservoir Books.

“Estoy muy contenta que mi film haya sido seleccionado en Karlovy Vary. Es uno de los festivales más importantes de la Europa oriental”, señala la cineasta a Culto.

Su debut mundial concluye una etapa de siete años de trabajo. Una iniciativa que comenzó con el guión escrito por el fallecido Omar Saavedra Santis y que culminó hace apenas unas semanas en la sala de montaje junto a Galut Alarcón. En todo ese proceso ha estado acompañada de Poetastros y de la productora y actriz Chamila Rodríguez, con quien ya había colaborado en la trilogía Ruíz-Sarmiento, las tres cintas incompletas de Raúl Ruiz –su esposo– que ella y el equipo de la compañía recuperaron y finalizaron.

“Trabajé con gente linda. Siete años nos demoramos con Poetastros en parir este film. Yo siempre digo que con Raúl no tuve hijos pero tuve películas. Este fue un parto difícil, pero lo conseguimos gracias a la voluntad de la producción”, agrega la autora de Secretos (2008).

La organización de Karlovy Vary ha destacado que Detrás de la lluvia “entrelaza el trauma personal con la memoria colectiva de una nación”. Filmado en blanco y negro, el largometraje gira en torno a Sofía Belmar (Paula Prado), una profesora de psicología que acaba de terminar sus estudios en Valparaíso y regresa a su ciudad natal, Valdivia. Su vuelta coincide con el hallazgo del cuerpo de una niña de nueve años, un descubrimiento que despierta en ella recuerdos de abusos sexuales que sufrió durante su infancia.

“Como un filme rayado que parece lluvia, Sofía debe decidir si impedir que la memoria resurja o mirar más allá de la lluvia, más allá de los miedos enterrados de todo un país”, apuntó el programador Lorenzo Esposito, junto con asegurar que en esta oportunidad “Sarmiento reflexiona sobre el concepto mismo de represión”.

“El film es un mix de mi infancia y de los films policiales que me gusta ver. El guión que trabajó Omar fue una inspiración de mi infancia y de su sabiduría para contar historias”, afirma la directora.

Por su parte, Chamila Rodríguez comenta: “Ha sido un largo viaje juntas desde que Valeria me contó esta historia, que me resonó y conmovió profundamente. Un imperativo para mi querer producirla. Nos toca, sin quererlo, a la gran mayoría de las mujeres vivir la violencia de abuso sexual en algún momento de nuestras vidas. Tuve especial delicadeza en convocar a un elenco, equipo artístico y técnico, donde Valeria se sintiera cuidada, en un ambiente respetuoso, por sobre todo, con la intimidad de esta historia”.

Uno de los episodios más complejos para la materialización de la cinta fue la muerte del compositor Jorge Arriagada, permanente colaborador de Raúl Ruiz y de Valeria Sarmiento, quien falleció en octubre de 2024, a semanas de que comenzaran las filmaciones. La directora relata una historia: “De Jorge nunca olvidaré en su cama de hospital días antes de morir me pasó la música en un pendrive. Él sabía que yo tenía que hacer la película con su música”.

Eso explica que la autoría de la música original sea compartida por Arriagada y por Nicolás Ahumada, artista formado en la Universidad Católica que se transformó en compositor residente de la Orquesta de Cámara de Valdivia (OCV) en 2024.

Con una duración de 97 minutos, también cuenta en su reparto con Aline Küppenheim, Shlomit Baytelman, Cristián Arriagada, Daniel Muñoz, Chamila Rodríguez, Julio Milostich, Claudia Rosales, Ingrid Isensee, Aimar Alarcón, Clara Vargas, Pascual Frías, Marcela Cornejo, Eric Kleinsteuber, entre otros.

Ahora, con el largometraje listo, el equipo viajará a Karlovy Vary, la ciudad balneario más célebre de República Checa. Bajo la óptica de Rodríguez, “es un reconocimiento y una responsabilidad extraordinaria participar de la selección Globo de Cristal en esta versión tan significativa, que conmemora los 80 años del festival, proyectando la memoria en los espejos de agua de ríos, humedales, el tránsito por los puentes y los recuerdos bajo la lluvia valdiviana, en el principal telón de Karlovy Vary”.

Karel Och, director artístico del certamen checo, declaró que el doble aniversario de este año permite “mirar hacia atrás, al rico pasado de un evento establecido poco después del final de la Segunda Guerra Mundial, pero también examinar cuán estrechamente la visión del actual equipo de programación sobre la evolución del cine mundial resuena con el trabajo pionero de sus predecesores, tanto pasados como recientes”.

La producción adelanta que su estreno nacional se realizará en un importante festival de cine de Chile. Las coordenadas se revelarán próximamente.

Revisa su primer avance a continuación: